EDWIN MAC GAW : design & aménagement intérieur

L'âme d'un artiste tourmenté par les pinceaux de la destinée

Né sous les auspices d'un juillet ardant en 1971, Edwin Mac Gaw a vu le jour dans le giron d'une lignée éprise d'art. Au sein de cette famille peuplée d'aquarellistes, de sculpteurs et de philosophes, le jeune Edwin fut bercé par les muses et les échos d'un monde saturé de beauté et de réflexion. Héritier de cette riche tradition, il saisit dès l'enfance le crayon et le pinceau comme on embrasse son destin, guidé par le spectre d'un grand-père collectionneur, véritable Virgile dans cet empire des sens artistiques.

Une éducation en clair-obscur

L'odyssée de Mac Gaw dans les méandres de l'art prend racine dans les profondeurs de l'académisme et de l'avant-garde numérique. Le jeune bachelier des arts, épris de nouveauté et de technologie, s'aventura dans les arcanes de la création assistée par ordinateur, frôlant les premières lueurs de l'animation 2D et 3D. Ces années de labeur et de création le virent fonder son empire de communication multimédia, avant que le sort ne le rappelle aux afflictions plus intimes de la toile et du chevalet.

Tragédie et renaissance

Les afflictions de la vie, telles des ombres passagères, ramenèrent Edwin à ses premiers amours artistiques après un burn-out et le deuil déchirant de sa sœur. Tel un phénix, il renaît à travers ses toiles, explorant avec une vigueur renouvelée les abysses de la peinture à l'huile et de l'acrylique. La série « Rebirth » voit le jour comme un cri silencieux, témoignant de la lutte incessante entre la lumière et les ténèbres, entre la vie et l'art.

Une toile de fond intemporelle

Dans cette quête incessante de vérité et de beauté, Mac Gaw s'arme des grands maîtres qui l'ont précédé. Gustave Moreau, Turner, Le Caravage et Rembrandt, tous murmurent à travers les brumes de ses tableaux, éclairant sa palette de leurs clairs-obscurs, de leurs tourments et de leurs révélations. Chaque œuvre est un champ de bataille où se rencontrent le passé et le présent, le traditionnel et le moderne, le tangible et l'impalpable.

Un chemin pavé de lumière

Dans le sanctuaire de son atelier, Mac Gaw continue de forger les visions de son monde intérieur, là où la douleur forge le sublime, là où l'ombre engendre inéluctablement la lumière. Son parcours est celui d'un errant éternel sur les sentiers de la création, un pèlerinage sans fin vers l'absolu artistique, où chaque toile est un autel, chaque couleur une prière.

Sur la genèse de la série, l’artiste disait ceci :

« J’ai fait un rêve, en 2018, d’une bestiole blanchâtre, presque translucide, à l’instar de ses yeux sans expression. Des dents partout, des filaments volant au gré des soubresauts de la bête. Je la tiens fermement entre mes mains, je ne la lâche pas, bien qu’effrayé. Je ne l’ai plus lâchée pendant 18 mois. C’était un bébé qui a grandi et pris son envol, s’est affranchi, un peu comme son créateur en fait… »

Sur le processus de création et les choix techniques, Edwin en explique les fondements :

« Quand j’ai eu besoin de peindre le premier dragon (qui est en réalité le numéro 3 de la série), j’avais une image très précise en tête. J’étais en vacances et loin de mon atelier, des huiles que j’utilisais jusque-là, des toiles, des pinceaux fine art. Il fallait trouver de quoi projeter cette vision et vite. Dans le chai familial traînaient des chutes de planches en contreplaqué, en aggloméré également. Quelques vieux pots de peinture acrylique, un de glycéro (!), vestiges de périodes de créations antérieures. Des pinceaux de chantier, 1 rouleau « patte de lapin », 5 pots, un noir, un blanc et les couleurs primaires et c’est tout… Le retour aux fondamentaux en quelque sorte !

Quand on a soif de créer, on ne s’embarrasse pas du superflu, on y va et on verra bien. Je me suis régalé de cette précarité matérielle, elle m’a conduit à développer une autre manière de peindre. Moi qui détestais l’acrylique auparavant, parce qu’elle séchait quasi instantanément, j’y ai vu un formidable avantage en terme de densité, de matière et surtout de la multiplicité de couches de glacis qui collent parfaitement à l’environnement de la thématique : l’eau.
D’un point de vue symbolique, le fait de recourir à des matériaux de récupération, voués à la destruction, s’est révélé en adéquation parfaite avec mon vécu. D’un support « non noble », sur lequel vient se poser le récit d’un homme brisé, une oeuvre apparaît et vient faire écho avec l’origine du matériau : nous n’avons de valeur que celle que nous accordons aux choses, aux autres et à soi-même. La quête d’une vie humaine en somme… »